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Il brano che apre il disco mette in scena l'ansia tipica dell'inizio di un innamoramento: il desiderio di sapere se un sentimento è corrisposto si scontra con la paura di scoprire la verità, in un testo che oscilla fra la voglia di lasciarsi andare e il bisogno di restare in controllo. Più che curiosità, la domanda del titolo nasconde una vera paura del rifiuto — la sensazione che mantenere un contegno «cool» stia in realtà fallendo miseramente davanti a un sentimento che si fatica a nascondere.

Il testo racconta l'infatuazione ansiosa per una persona sfuggente, difficile da inquadrare o da «possedere» — il punto interrogativo del titolo non è casuale, resta una domanda aperta fino alla fine. Turner infila nel testo alcuni riferimenti alla cultura pop più o meno nascosti, in uno stile ellittico che diventerà una cifra ricorrente di tutto il disco.

Il testo racconta la routine di chi esce e beve così spesso da ritrovarsi, quasi per inerzia, a tornare da una persona con cui ha già avuto una storia — un modo per distrarsi da sentimenti che non si vogliono affrontare fino in fondo, rifugiandosi in un'ultima uscita, un ultimo bicchiere prima di richiudere la serata.

Il testo è un'ode sognante, quasi fantascientifica, a un'amante immaginaria — Arabella — descritta con immagini iperboliche e da space age: labbra «color Marte», un intero pianeta racchiuso nella sua bocca. È un ritratto costruito più sull'immaginazione e sul mito che sulla cronaca, un capriccio erotico-fantastico dentro un disco altrimenti più cupo e realistico.

Il testo esprime un desiderio bruciante e insaziabile — non un singolo elemento della relazione ma tutto insieme, senza compromessi — in un linguaggio diretto che contrasta con l'atmosfera più notturna e velata di altri brani del disco.

Nonostante il titolo ironico, non è affatto un inno da festa: il testo racconta la solitudine di chi si trova in mezzo a una folla che si diverte senza riuscire a sentirsi parte di quella gioia, alla ricerca di una connessione vera — o forse solo fisica — dietro la facciata del divertimento generale.

Turner l'ha descritta come «una canzone sulle canzoni»: un testo che parla del potere delle canzoni stesse di risvegliare qualcosa dentro chi ascolta, di dare energia o consolazione nei momenti giusti — un'idea che richiama esplicitamente la lezione di Lou Reed e del suo «Walk on the Wild Side».

Il testo è un viaggio nella mente di chi non riesce a lasciarsi alle spalle un amore finito, intrappolato fra ricordi ed emozioni irrisolte: il fuoco del titolo diventa immagine sia del calore di un affetto passato sia della miccia accesa di un conflitto interiore mai davvero spento.

Il testo è un ritratto sferzante e insieme divertito del «booty call»: la frustrazione di chi riceve attenzioni da qualcuno solo quando è sotto l'effetto di sostanze, mai in condizioni di lucidità — un rapporto ridotto a un bisogno fisico ricorrente più che a una connessione reale.

Il testo racconta l'esasperazione di chi assiste, impotente, a una persona amata che si sta autodistruggendo per amore — accecata da un sentimento che la porta dritta verso guai prevedibili — e le intima, appunto, di «svegliarsi» prima che sia troppo tardi. È anche una riflessione più amara sulle occasioni mancate, sui rimpianti di un rapporto che poteva andare diversamente.

Il testo intreccia immagini fisiche molto concrete — un bacio, calzini al ginocchio, un colore ben preciso di una maglia — per raccontare una relazione dal sapore agrodolce, in bilico fra ricordo, desiderio e la consapevolezza che l'attrazione fisica, da sola, non basta a costruire qualcosa che duri.

Il testo — adattato quasi integralmente da una poesia del 1982 del poeta punk di Manchester John Cooper Clarke, di cui Turner è da sempre grande ammiratore — usa metafore di oggetti domestici quotidiani, dall'aspirapolvere al frigorifero, per descrivere un amore che si offre come pura utilità, riducendo sé stessi a strumento del benessere altrui pur di restare vicini alla persona amata.